日常中止

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2023.5.6 - 2023.9.3 ｜毓繡美術館3樓

展覽簡介

法國哲學家列斐伏爾（Henri Lefebvre）認為，社會關係只在日常生活中才會產生出來，也惟有日常生活才存在社會活動和結構制度。日常生活即是社會的本質，而我們人類深陷其中。那麼，倘若社會活動永久停擺、社會關係嘎然而止，世界會是什麼模樣？

世界的現實沒有恆常的面容，各種關係共存、糾纏於其中，我們總是無法真正理清，只能讓日常生活保持曖昧不明的狀態。如同自然環境與物質文明、活著與死亡、過去與現在，總是在失衡與維持平衡間來回擺盪。我們是否曾在某些狀態未明的當下，感到恍惚和精神游離？即使生活向未來推進，時間卻仍在某些時候逕自斷裂，使得我們的日常中止，無端冒出陌異感受。

本展邀集自日本、香港、菲律賓等共六位藝術家的作品。猪瀨直哉（Naoya Inose）畫作像是末日寂境，透過象徵敘說人與社會的連結和生存境況；元田久治（Hisaharu Motoda）傾頹的城市地景則暗示當今人類的殘破心靈；是末日侵襲文明，還是文明帶來末日？二元觀點總是不斷辯證，物質世界終將漸進逝去，細觀智海的舊香港系列，或許能令懷舊成為一種處理現代情緒的切入點。

小林敬生（Keisei Kobayashi）的作品關切文明的過度追求與遭到衝擊的生態，強調萬物生命的平等。格雷戈里•哈利利（Gregory Halili）在脆弱的貝殼面上刻畫台灣瀕臨絕跡的蝴蝶，與小瀬村真美（Mami Kosemura）的黑白靜物，皆意味著日常的無常，死亡距離活著其實並不算遠。當世界一如既往地混雜，當日常生活的種種慣習被迫中止，我們是否仍然能夠平穩地重整思緒、重啟步伐？

藝術家簡介

猪瀨直哉 Naoya Inose
猪瀨直哉1988年生於日本神奈川縣，2012年從東京藝術大學畢業，主修油畫。2017年赴倫敦UAL切爾西藝術與設計學院深造，隨後定居於倫敦。

猪瀨曾參與2018年東京國立新美術館第21屆DOMANI明日展、2022年森美術館「六本木交叉點」（Roppongi Crossing）系列展覽。作品亦曾在多地展出，包括毓繡美術館（草屯）、高松市美術館（高松）、寶龍美術館（上海）、Gallery Rosenfeld（倫敦）、Mall Galleries（倫敦）、Lily Agius Gallery（馬爾他）、798藝術區（北京）、Rubelle & Norman Schafler Gallery（紐約）、杜倫大學東方博物館（英國）等，並被Fondazione Benetton（義大利）、Oketa Collection（日本）、Takahashi Collection（日本）等機構收藏。

藝術家的創作總在探悉自然世界和人類生活對自然的影響、自然被強行占據後的異樣面貌。他的畫作迷漫著詭秘的氣氛，杳無人跡之地卻象徵意味濃烈。究竟有什麼事情已經發生，抑或是正在隱隱發作？猪瀨的風景同時具備寫實和抽象兩種質性，作品一再探問我們與自然的關係，對自然又是否足以了解？而對所謂藝術傑作這樣不可被撼動的地位角色，他亦有所挑動：若將大作置於當今後現代社會的脈流之中，會是如何被改變並重新呈現於我們眼前？

元田久治 Hisaharu Motoda
元田久治1973年生於日本熊本市，1999年畢業自九州產業大學藝術學院，2001年完成東京藝術大學藝術碩士學位。2017年起在武藏野美術大學美術學院教授繪畫。元田對平版技法的興趣與研究，始於他還在九州產業大學的時期，他著迷於平版呈現出來的題材客觀特性及線條的獨立性，認為這是繪畫所無法體現的。

個展經歷包括Art Front Gallery（東京）、Gallery KIDO Press版畫工房（東京）、九州産業大學美術館（福岡）、C・Square（名古屋）、Murata & friends畫廊（柏林）。聯展包含東京站畫廊（東京）、東京都美術館（東京）、澀谷區立松濤美術館（東京）、檀香山藝術博物館（檀香山）、Mead Art Museum（美國阿默斯特）、國立新美術館（東京）、RMIT Gallery（墨爾本）、上野之森美術館（東京）。

自2004年開始，元田的作品就虛構出像是真實存在的廢墟風景。創作靈感來自於「侵蝕風化／褪色變形／損壞」，他認為這意謂著事物被人工改變的過程，而這樣的風景對他而言更靠近某種自然的狀態。元田覺得這並非是消極悲觀的，反而是持續的轉變，得以展現出新的生機。近幾年，元田對世界的感受，像是不可預期的事情都被允許發生，而那些事件在很大程度上影響了其作品以何種方式被觀看。他的畫作令觀者乍看即意識到熟悉的建築地景，週遭環境皆逐漸失掉如常該有的模樣，反倒呈現一處處無人之地。

智海 Chihoi

智海1977年出生於舊香港，1999年畢業自香港中文大學食品及營養科學系，現居台北，參與台北「nos:books挪石社」之編務工作。智海自幼即喜愛畫畫，日後一路上從各方探索學習創作技法。他的創作起源是漫畫和插畫，大學時期從1996年開始就經常發表作品，見載於香港的報章雜誌，隨後亦出現在國際漫畫選集，近幾年才轉為投入油畫。

個展或雙人展經歷包括安全口畫廊（香港）、比利時獨立出版藝術節／De Studio（安特衛普）、就在藝術空間（台北）、舊香居藝空間（台北）、藝鵠藝術空間（香港）、Mangasick（台北）、CL3 Architects Ltd（香港）、琉森Fumetto國際漫畫節（瑞士）、波隆那BilBolBul漫畫節（義大利）和香港藝術中心（香港）。

智海的漫畫像是在處理自己如何面對外界，內容經常結合夢境和潛意識，亦映射出社會環境的集體情緒或狀態。早期的敘事畫風較為悲觀，2008年受邀連載於香港《太陽報》的《花花世界》卻充滿溫暖的顏色。漫畫作品包括《The Writer And Her Story》（1999）、《Piece of Mind》（2000）、半自傳體質的《默示錄》（2003）、與歐陽應霽合編的《路漫漫：香港獨立漫畫25年》（2006）、與香港創作者江康泉記共同改編文學並刊載於《明報》的《大騎劫──漫畫香港文學》（2006-2007）、與台灣詩人鴻鴻共創的《灰掐》（2007）、《Library》（2013）、《圖書館&我和我聖人》（2018）等作品。除了經常受邀參加歐洲漫畫展，智海的部份作品已譯有法語、義大利語、英語及芬蘭語。

小林敬生 Keisei Kobayashi

小林敬生1944年生於日本島根縣松江市，1968年完成京都藝術設計專門學校的視覺設計課程，1975年開始自己創作木口木刻版畫，是日本極具代表性的版畫家，亦是木口木刻版畫領域的先驅。小林自1997年起擔任多摩美術大學教授，現任日本版畫協會理事長。

小林曾獲2015-2016年義大利Leonardo Sciascia版畫獎項。近年個展包括ARDEL Gallery（曼谷）、Palazzo La Marmora（義大利比耶拉）。也曾在多摩美術大學美術館（東京）、滋賀縣立近代美術館（大津）、瓜納華托州立博物館（墨西哥）等地展出。1979年至2022年間亦多次在東京Shirota畫廊舉辦個展。聯展經歷豐富，包含毓繡美術館（草屯）、亞洲藝術中心（北京）、阿爾伯塔大學美術館（加拿大）、Milal美術館（首爾）、石川縣立美術館（金澤）、名古屋市美術館（名古屋）、東京都美術館（東京）、布里斯托城市博物館（英國）等。

作品收藏單位包含大英博物館（英國）、台北市立美術館（台灣）、紐西蘭國立博物館（紐西蘭）、光州市立美術館（韓國）、關渡美術館（台灣）、毓繡美術館（台灣）、東京石橋藝術博物館（日本）、町田市立國際版畫美術館（日本）、神奈川縣立近代美術館謙倉別館（日本）、大阪府立現代美術中心（日本）等。

小林敬生早在60年代即開始版畫創作，然而某天在東京，他遇見了日和崎尊夫（Takao Hiwasaki）的木口木刻版畫作品，自此之後他的精神皆投注於木口木刻的世界。木口木刻版畫採用的是硬木，其橫切斷面的質地堅硬且細密均勻，製印出來的線條細密、明暗層次豐富，因此圖像逼真具體，構圖的空間感也更多變。小林擔憂著文明與自然的失衡，作品皆在顯現生存環境的不和諧、共生的不安和變異。他的畫面細節暗喻人類的慾望橫流，在批判現代化之餘，亦不忘展露對生命的禮讚和樂觀。

格雷戈里‧哈利利 Gregory Halili

1975年生於菲律賓馬尼拉，畢業於美國費城的藝術大學，1988年移居美國，生活了約25年的時間，於2013年回到菲律賓定居。

格雷戈里有豐富的個展及聯展經歷，個展包括杜拜藝術博覽會（杜拜）、Silverlens（馬尼拉）、法蒂瑪大學（巴倫蘇埃拉）、PROJECT SPACE PILIPINAS（奎松市）、Nancy Hoffman Gallery（紐約）、West Gallery（馬尼拉）、Artists’ House Gallery（費城）、Ayalau阿亞拉博物館（馬尼拉）、John Michael Kohler Arts Center（威斯康辛）、菲律賓大學Vargas Museum（奎松市）、South Brunswick Public Library（紐澤西）、巴特勒美國藝術學院（俄亥俄州）。聯展包括毓繡美術館（草屯）、Silverlens（馬尼拉）、MO_Space（塔古）、Tokyo Gallery + BTAP（東京）、Nancy Hoffman Gallery（紐約）、菲律賓國家博物館（馬尼拉）、BenCab班卡伯博物館（圖巴）、Ora-Ora（香港）等地。

格雷戈里在菲律賓的成長環境有著充沛的植物、熱帶的野生動植物以及熱情的居民，他的童年記憶為他往後的創作或多或少注入了熱帶的氣息。格雷戈里特別喜愛微型尺寸的創作，除了紙張作為表現媒介，他亦選擇表面紋理不太尋常的材料，像是象牙、貝殼，並以水彩、不透明水彩和油彩來詮釋頗具細節的題材。他會在珍珠母表層雕刻和繪圖，創造出死亡的象徵，隨後亦出現人類骷髏和骨化珊瑚所集結而成的雕塑作品。格雷戈里時常關注回憶、生命、死亡、美好、凋零以及周而復始的現象，宗教、歷史及菲律賓的殖民背景也影響他創作極深。

格雷戈里曾被視為蝴蝶或熱帶風景畫家，從動植物、風景、城市、靜物，到宗教、歷史及死亡，不管題材形式如何演變，他的作品皆有一定的核心，即探究著生命的記憶和脆弱，也因此產自菲律賓的Capiz卡皮斯貝殼，一種特別輕薄飄渺的材質，亦成為了他日後回應世界的創作媒介，並意圖提供給觀者近乎脆弱的視覺感受。

小瀬村真美 Mami Kosemura

小瀬村真美1975年生於日本神奈川縣，2005年自東京藝術大學畢業，主修油畫和壁畫。曾至瑞士（2013）、紐約（2016）等地駐村，小瀨村1996年曾獲東京藝術大學久米慶一郎獎（Kume Keiichiro Award），2002年獲選森美術館「Young Video Artists Initiative」，2005年獲「野村藝術獎」（Nomura Art Prize），2015年獲第26屆日本五島文化獎項（Gotoh Cultural Award）。作品被東京藝術大學大學美術館（日本）、東京都現代美術館（日本）、關渡美術館（台灣）、群馬縣立近代美術館（日本）、亞洲協會美術館（美國）等機構收藏。

個展經歷包括MA2 Gallery（東京）、原美術館（東京）、DILLON + LEE（紐約）、Ai Kowada Gallery（東京）、Yuka Sasahara Gallery（東京）。聯展經驗豐富，包括毓繡美術館（草屯）、亞洲協會美術館（紐約）、Galerie Valérie Delaunay（巴黎）、Dazibao Gallery（蒙特婁）、蘇州金雞湖美術館（蘇州）、Stuttgart斯圖加特國際動畫電影節（斯圖加特）、WAH Center（紐約）、MMCA國立當代藝術館（首爾）、關渡美術館（台北）等。

小瀨村的創作以攝影和錄像裝置為主，她的影像看起來像是繪畫，實則在探究攝影、錄像和繪畫三者的關係，彼此可以如何交織影響並產生質變。藝術家認為攝影是將現實生活紀錄下來，不過現實的存在方式以及如何被感知，都是極其曖昧的，因此她呈現的內容場景有一定的虛構程度，透過人工的手法來重新揭露所謂的現實，一個奠基於現實卻又被陌生化的世界景觀，除了翻轉觀看上的認知習慣，亦提供另一種美感經驗。

小瀨村早期作品以逐格動畫方式來表現物體長時間的狀態，再造二維繪畫中的虛擬空間，並觀察影像內容的變形。她為人所知的創作方法，是從歐洲古典繪畫作品中取材，擷取其中的局部畫面運用在影像的佈局，將繪畫拆解、重構，研究繪畫的存在構造之餘，亦造就了屬於自己的理想化現實圖像。近年她側重繪畫影像場景的連續性、斷片式或卷軸類型的影像作品，抑或是透過超慢動作動態攝影來進行影像凝縮，由此探測時間的質地。