想像的質地

展覽介紹
藝術家簡介
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2026.9.19 - 2027.1.17 ｜毓繡美術館

展覽簡介

文／策展人宋曉明

在當代藝術環境中，平面繪畫的形式與視覺圖像已難以賦予其清楚簡單的定義；換一個角度言之，定義視覺圖像抑或是繪畫形式似乎也無存在的必要性。主要因素是，現今觀眾的視覺經驗、理解，與藝術家透過創作表達的途徑、觀念，皆被介入了因科技與時代發展而衍生出複雜且龐大的龐大符號系統，它消解了過去藝術史上檢視藝術家圖像表達的傳統價值，卻提供了審視圖像的「不確定」。

此展即針對當代繪畫的「不確定」，以藝術家的創作實踐進行探討，反思視覺圖像的深層意涵。艾蜜莉‧沃爾夫（Emily Wolfe）以拼貼手法將記憶的流動性與情緒具體寄寓於畫面，圖像本身不再是單一指涉。卡麥隆‧馬丁（Cameron Martin）利用照相寫實的繪畫方式，藉由傳統上被視為風格疲弱的風景題材，來闡述繪畫的不穩定性，完整再現已不再是唯一途徑；尼古拉斯‧米德爾頓（Nicholas Middleton）採取慣用的單色調將影像的三維現實轉換為畫布二維平面，暗示圖像無法完全類比為真實視覺經驗，強調繪畫形式的再思考；格蕾特‧范‧奧特加登（Greet Van Autgaerden）多彩而片段的畫面處理，將視覺現實抽離至圖像斷裂的畫布平面，企圖讓觀者在其營造的畫面張力中，拓展風景圖像的可能性。宋曉明以逼真的紙膠帶作為視覺符號，反覆探索寫實繪畫風格的定義，與平面物質性在繪畫中的價值。

來自紐西蘭、美國、英國、比利時與台灣的藝術家們，透過作品提出對於圖像表達的觀點，並各自闡述繪畫形式依然得以存在的價值。圖像價值或許不必彰顯於畫布表相，經由畫布平面建立的觀看方式，不再是提供觀眾答案，而是引領觀眾進入繪畫形式所衍生出更廣袤的想像境地。

藝術家簡介

艾蜜莉‧沃爾夫 Emily Wolfe

1972年生於紐西蘭奧克蘭，1996年獲得奧克蘭大學伊拉姆美術學院（Elam School of Fine Arts, University of Auckland）藝術學士，後因研究生入學而移居倫敦，於2000年取得英國倫敦大學斯萊德美術學院（Slade School of Fine Art, University College London）藝術碩士，現居英國牛津。

沃爾夫的作品經常展出於倫敦及紐西蘭，其畫面展現了一個既熟悉又超現實的世界；在這個世界裡，古典風景的殘跡與我們日常生活的元素──紙片、膠帶和磨損物品的碎片相互碰撞。她的作品深植於記憶的物質性，畫作中層疊的紋理呼應了考古學的層層敘事，這源自於她早期在歐洲歷史遺址的挖掘研究。她的色調柔和而深沉，帶有褪色照片或精緻古董中常見的克制之美。於此，光不僅僅是照明，它是敘事的一部分，投下靜謐的陰影，引人遐想那些未曾言說或隱藏於視線之外的事物。沃爾夫的畫布上隱約留存著不為人知的生活痕跡，將人們的注意力引向時間的緩慢流逝以及日常物品中蘊藏的故事。她的作品重新定義了靜物畫和風景畫，將它們不再視為靜態的題材，而是歷史、記憶和當下之間的積極對話。她的畫作成為反思的空間，層層疊疊的回憶，如夢似幻，縈繞心頭，充滿曖昧。

卡麥隆‧馬丁 Cameron Martin

1970年生於美國西雅圖，1994年獲得布朗大學（Brown University）藝術與符號學學士，並曾於1996年參與紐約惠特尼美術館獨立研究計畫，現居紐約。

他最初以其精細描繪、並融入符號學元素的風景畫而聞名。在藝術家艾米‧西爾曼（Amy Sillman）與馬丁的一次對話中，西爾曼指出：「幾乎不可能分辨它們是繪畫、網版印刷、印刷品，還是在印刷品上疊加繪畫。」圖像存在於何處，以及它如何存在，是馬丁作品中反覆提出的問題。藝術家戴克‧布萊爾（Dike Blair）在一篇關於馬丁作品的文章中描述了他的作品與時間的關係，以及畫面中展開的事件。他寫道：「像馬丁的所有作品一樣，它們充滿了浪漫主義色彩；但同樣清晰的是，它們也是分析性眼光和思維，以及訓練有素且克制的手法的產物。」2014年，馬丁的繪畫風格轉向抽象。其抽象作品被譽為「致力於繪畫體驗，運用非正統技法，並呈現出引人入勝的畫面」。

尼古拉斯‧米德爾頓 Nicholas Middleton

1975年生於英國倫敦，1993年就讀倫敦市政廳大學（London Guildhall University），1994年進入溫徹斯特藝術學院（Winchester School of Art）學習，並於1997獲得藝術學士。米德爾頓於2016年入學倫敦皇家藝術學院（Royal College of Art），並在2024年獲得實踐導向博士（Practice-based PhD），現居倫敦並任教於倫敦市工藝美術學院（City & Guilds of London Art School）。他曾六次入圍約翰‧摩爾斯繪畫獎（John Moores Painting Prize）。2006年，他以黑白超寫實主義油畫《當代小說場景》（Scene from a Contemporary Novel）榮獲第二十四屆約翰‧摩爾斯繪畫獎觀眾選擇獎。2010年，以描繪英格蘭銀行外示威活動的黑白超寫實主義油畫《抗議，2009年4月1日》（Protest, 1st April 2009）榮獲該獎項及觀眾選擇獎。2016年，米德爾頓的作品《拱門下的人物》（Figures in an Arch）入圍2016年約翰‧摩爾斯繪畫獎。

他認為圖像作為世界的影像，其存在本身就排除了「畫面之外」的一切，「畫面之外」的事物可以概括為空間上的缺席、時間上的缺席、或者存在於紙本邊緣內卻又游離於畫面呈現之外的事物。然而，並非所有位於「畫面之外」的事物都會對畫面之內的內容產生影響，他關注的是，這些「畫面之外」的留白部分可以在藝術創作中被結構性地利用，從而以一種有意義的方式激活這些「畫面之外」的元素。

格蕾特‧范‧奧特加登 Greet Van Autgaerden

1974年生於比利時布魯塞爾，1998年取得布鲁塞爾聖盧卡斯藝術學院（St-Lukas Hogeschool Brussel）視覺藝術碩士，2001年於布魯塞爾皇家音樂學院（Koninklijk Conservatorium Brussel）獲得音樂學士（鋼琴），現居梅赫倫並任教於利爾視覺藝術學院（Beeldacademie Lier）。

奧特加登的作品主要探討自然與文化之間的關係，從這個角度出發，其作品探索了我們當今與景觀，尤其是與繪畫中的景觀之間關係的多種方式。她以字面意義和隱喻的方式深入研究地景的歷史及其地質根源。風景畫是藝術史上重要的題材之一，從裝飾到情感的象徵性表達，從輕鬆愉悅到莊嚴壯麗，從全景畫到花卉靜物，自然在藝術中無處不在。奧特加登並非傳統意義上的風景畫家，她運用富有表現力的色彩和筆觸，使其絕非寫實的再現。以本質而言，歐加爾登的作品探索的是感知本身；身為人類，我們觀察風景，我們看到了什麼？作為一名藝術家，她試圖將自己的感知和洞察轉移到畫布上。她意識到，原則上並不存在「真實」的圖像，無論是在風景或是藝術作品中，各人所見皆不相同。她高度個人化的筆觸和視覺語言，以一種易於理解的方式，使觀者能仿若置身於「風景」之中。由於她偏愛大幅作品，我們不再只是觀看，而是積極地參與作品的體驗，一方面是視角，另一方面是定向與迷失之間的張力，這些都是賦予作品形式和內容意義的關鍵要素。

宋曉明 Song Sheau-Ming

1967年生於台灣花蓮，2002年取得美國紐約市立大學（City College of City University of New York）藝術創作碩士，2008年畢業於英國國立蘭卡斯特大學（University of Lancaster）當代藝術學院（Lancaster Institute for the Contemporary Arts），取得視覺藝術博士學位，現為國立臺灣師範大學美術學系副教授。

其創作歷程橫跨數十年，始終在理性的結構佈局和感性的情感詩意之間流動，形塑出兼具精神厚度與抒情質地的抽象美學。宋曉明的創作脈絡，始於對圖像本質的深刻探問，紙膠帶作為其創作中不可忽視的符號，不僅是一種形式的標記，更成為時間、轉變與真實／幻象之間關係的象徵，用以回應寫實主義的侷限及其定義上的缺漏，並在遮蔽與顯露之間構築出內在思維與外在風景的交織層次。2025年於台北采泥藝術發表的個展「空白敘事」（Anonymous Narrative）中，宋曉明進一步挑戰圖像的敘事邏輯。他以「去敘事化」為策略，斷裂觀看與理解之間的慣性連結，使觀者在不確定的圖像面前進行解碼與思辨。他的畫作不提供單一解釋，而是開啟一種多重層次的思考與情感觸發。宋曉明的繪畫並非情感的直接宣洩，亦不是取悅觀者的視覺操作，他重新定義了當代抽象繪畫的表達，使其藝術實踐成為觀看、存在與意義建構的持續辯證。